Neue Online-jazz-programme

Tatsächlich sind die Klänge, die Jazzmusiker auf ihren Instrumenten erzeugen – die Art und Weise, wie sie Noten anschlagen, beugen, loslassen, verzieren und färben – so charakteristisch für das Jazzspiel, dass ein klassisches Stück, das von Jazzmusikern in ihrer idiomatischen Phrasierung gespielt wird, höchstwahrscheinlich als Jazz bezeichnet würde. In einer rückblickenden Bewertung bezeichnete Stephen Thomas Erlewine von AllMusic das Album als „eines ihrer geschmeidigsten Alben“. Er führte an, dass das Album durch seine Vielseitigkeit und Übertreibung „mehr Spaß macht als jedes ihrer anderen Alben“. Alexis Petridis schrieb in The Guardian: „Jazz war in jeder Hinsicht hysterisch, aber die Musikpresse hat den Witz nicht verstanden, besonders in den USA“. Acid Jazz entwickelte sich in den 1980er und 1990er Jahren im Vereinigten Königreich, beeinflusst von Jazz-Funk und elektronischer Tanzmusik. Acid-Jazz enthält oft verschiedene Arten elektronischer Kompositionen, wird aber ebenso häufig von Musikern live gespielt, die oft eine Jazz-Interpretation als Teil ihrer Performance präsentieren.

Einige Spieler, wie die Saxophonisten Greg Osby und Charles Gayle, haben eine klare Avantgarde- oder Free-Jazz-Position beibehalten, während andere, wie James Carter, Free-Jazz-Elemente in einen traditionelleren Rahmen integriert haben. In den frühen 1940er Jahren begannen die Bebop-Musiker, den Jazzband Firmenfeier von einer tanzbaren Populärmusik zu einer anspruchsvolleren „Musikermusik“ zu machen. Zu den einflussreichsten Bebop-Musikern gehörten der Saxophonist Charlie Parker, die Pianisten Bud Powell und Thelonious Monk, die Trompeter Dizzy Gillespie und Clifford Brown sowie der Schlagzeuger Max Roach. Indem er sich von der Tanzmusik löste, etablierte sich der Bebop mehr als Kunstform, was seinen potenziellen populären und kommerziellen Reiz verringerte.

Im Gegenzug machten europäisch-amerikanische Minstrel-Show-Darsteller in schwarzer Maske die Musik international populär, indem sie Synkopen mit europäischer Harmoniebegleitung kombinierten. Jahrhunderts adaptierte der weiße Komponist Louis Moreau Gottschalk aus New Orleans Sklavenrhythmen und Melodien aus Kuba und anderen Karibikinseln in Salonmusik für Klavier. New Orleans war der wichtigste Knotenpunkt zwischen der afro-karibischen und der afro-amerikanischen Kultur. Seit dem Aufkommen des Bebop werden kommerziell orientierte oder von der Popmusik beeinflusste Formen des Jazz kritisiert.

Ellington bezeichnete seine Musik als amerikanische Musik und nicht als Jazz und beschrieb diejenigen, die ihn beeindruckten, gerne als „jenseits der Kategorie“. Dazu gehörten viele Musiker seines Orchesters, von denen einige selbst zu den Besten des Jazz gehören, aber es war Ellington, der sie zu einem der populärsten Jazzorchester in der Geschichte des Jazz zusammenschweißte. „Jeep’s Blues“ für Johnny Hodges, „Concerto for Cootie“ für Cootie Williams (aus dem später „Do Nothing Till You Hear from Me“ mit dem Text von Bob Russell wurde) und „The Mooche“ für Tricky Sam Nanton und Bubber Miley. Er nahm auch Kompositionen auf, die von seinen Bandmitgliedern geschrieben wurden, wie Juan Tizols „Caravan“ und „Perdido“, die dem Big-Band-Jazz eine „spanische Färbung“ verliehen. Einen kreativen Höhepunkt erreichte die Band in den frühen 1940er Jahren, als Ellington und eine kleine, handverlesene Gruppe seiner Komponisten und Arrangeure für ein Orchester mit unverwechselbaren Stimmen schrieben, das eine enorme Kreativität an den Tag legte. Bei den meisten Jazzdarbietungen spielen die Musiker Soli, die sie an Ort und Stelle erfinden, was erhebliches Können erfordert.

In der Swing-Ära der 1920er- und 40er-Jahre verließen sich die Bigbands mehr auf Arrangements, die geschrieben oder nach Gehör gelernt und auswendig gelernt wurden. In der Bebop-Ära der 1940er Jahre wichen die Bigbands kleinen Gruppen und minimalen Arrangements, bei denen die Melodie zu Beginn kurz genannt wurde und der größte Teil des Stücks improvisiert wurde. Der modale Jazz verzichtete auf Akkordfolgen, um den Musikern noch mehr Raum für Improvisationen zu geben. In vielen Formen des Jazz wird ein Solist von einer Rhythmusgruppe unterstützt, die aus einem oder mehreren Akkordinstrumenten, Kontrabass und Schlagzeug besteht. Die Rhythmusgruppe spielt Akkorde und Rhythmen, die die Struktur der Komposition umreißen und den Solisten ergänzen. Im Avantgarde- und Free Jazz ist die Trennung zwischen Solist und Band aufgehoben, und es besteht die Möglichkeit oder sogar die Pflicht, auf Akkorde, Tonleitern und Metren zu verzichten.

Die Abschaffung der Sklaverei im Jahr 1865 eröffnete neue Möglichkeiten für die Ausbildung befreiter Afroamerikaner. Obwohl die strikte Rassentrennung die Beschäftigungsmöglichkeiten für die meisten Schwarzen einschränkte, fanden viele von ihnen Arbeit in der Unterhaltungsbranche. Schwarze Musiker konnten bei Tanzveranstaltungen, Minstrel-Shows und im Vaudeville für Unterhaltung sorgen, und in dieser Zeit wurden viele Marching Bands gegründet. Schwarze Pianisten spielten in Bars, Clubs und Bordellen, als sich der Ragtime entwickelte. In der Zeit nach dem Bürgerkrieg konnten Afroamerikaner überschüssige militärische Basstrommeln, Snare Drums und Fifes erwerben, und es entstand eine originelle afroamerikanische Trommel- und Pfeifenmusik mit Tresillo und verwandten synkopischen Rhythmusfiguren.

Nachdem er Hendersons Gruppe verlassen hatte, gründete Armstrong seine Hot Five Band, in der er den Scat-Gesang populär machte. Jahrhundert, afro-kubanische Rhythmusmotive zu übernehmen, als die Habanera internationale Popularität erlangte. Musiker aus Havanna und New Orleans nahmen die zweimal täglich verkehrende Fähre zwischen den beiden Städten, um dort aufzutreten, und die Habanera fasste schnell Fuß in der musikalisch fruchtbaren Crescent City.

Im Jazz kann man die Klänge der Freiheit hören – die Musik war eine starke Stimme für Menschen, die wegen ihrer Hautfarbe ungerecht behandelt wurden oder weil sie in einem Land lebten, das von einem grausamen Diktator regiert wurde. Der Hard Bop ist eine Erweiterung des Bebop (oder „Bop“), der Einflüsse aus Blues, Rhythm and Blues und Gospel enthält, vor allem im Saxophon- und Klavierspiel. Der Hard Bop wurde Mitte der 1950er Jahre entwickelt und fand 1953 und 1954 seinen Höhepunkt; er entwickelte sich teilweise als Reaktion auf die Mode des Cool Jazz in den frühen 1950er Jahren und parallel zum Aufkommen des Rhythm and Blues. Miles Davis‘ 1954 auf dem ersten Newport Jazz Festival gespieltes „Walkin'“ machte den Stil in der Jazzwelt bekannt.

In den frühen 1900er Jahren wurde Jazz aufgrund der Rassentrennungsgesetze hauptsächlich in afroamerikanischen und mulattischen Gemeinden gespielt. Storyville machte den Jazz durch Touristen, die die Hafenstadt New Orleans besuchten, einem breiteren Publikum zugänglich. Viele Jazzmusiker aus afroamerikanischen Gemeinden wurden angeheuert, um in Bars und Bordellen aufzutreten. Dazu gehörten Buddy Bolden und Jelly Roll Morton, aber auch Musiker aus anderen Gemeinschaften, wie Lorenzo Tio und Alcide Nunez. Louis Armstrong begann seine Karriere in Storyville und wurde in Chicago erfolgreich. Im frühen Dixieland, auch bekannt als New Orleans Jazz, spielten die Musiker abwechselnd Melodien und improvisierten Gegenmelodien.

Bebop-Tonleitern sind traditionelle Tonleitern mit einer zusätzlichen chromatischen Passing-Note; Bebop verwendet auch „Passing“-Akkorde, Ersatzakkorde und veränderte Akkorde. Neue Formen der Chromatik und Dissonanz wurden in den Jazz eingeführt, und das dissonante Tritonusintervall (oder „abgeflachte Quinte“) wurde zum „wichtigsten Intervall des Bebop“. Akkordfolgen für Bebop-Melodien wurden oft direkt von populären Swing-Melodien übernommen und mit einer neuen und komplexeren Melodie wiederverwendet und/oder mit komplexeren Akkordfolgen reharmonisiert, um neue Kompositionen zu bilden, eine Praxis, die bereits im früheren Jazz gut etabliert war, aber für den Bebop-Stil von zentraler Bedeutung wurde. Des Blues (Basis: I-IV-V, aber oft mit ii-V-Bewegungen) und der „Rhythmuswechsel“ (I-VI-ii-V) – die Akkorde des Popstandards „I Got Rhythm“ aus den 1930er Jahren. Der späte Bop wandte sich auch erweiterten Formen zu, die eine Abkehr von Pop- und Showtunes darstellten. In Frankreich kam dieser Stil mit der Quintette du Hot Club de France, die 1934 gegründet wurde, zu voller Blüte.